《电影技术艺术互动史》一文深入探讨了电影发展过程中技术与艺术的互动关系。从黑白无声时代到3D、VR技术的应用，电影一直在不断革新。技术的进步推动了电影艺术的发展，而电影艺术也在不断引领技术的创新。文章呼吁我们要珍惜技术与艺术的互动，推动电影行业的持续发展。
电影技术艺术互动史读后感篇一
第五章 色彩与光效阿尔芒都
"由于我缺乏想象力，就在自然中寻找灵感，它提供了无数的灵感。”----阿尔芒都
文章从电影1976年《侯爵夫人》（室内自然光）分析，摄影师内斯托尔·阿尔芒都，1978年《天堂的日子》（室外自然光）获得奥斯卡最佳摄影，这是他第一次为美国片摄影。它们都有“魔幻时刻”，自然景观的一种日落美景。照相常见，对于故事片来说，效率低。
阿尔芒都在与侯麦、特吕弗等导演合作中，逐渐形成了自然柔光摄影风格。
《侯爵夫人》，“阳光从窗户中进来，经过一个又一个房间，顺着长廊的地板一直到尽头。”，阳光的落点也被侯麦和阿尔芒都研究，寻找光效最有戏剧性的一刻。场面调度、表演以那个年代的绘画为准。橙黄色调是建筑和道具本身提供，基调明亮，反差不大。
为了消色，一开始服装设计师准备全用白色，但白色反光率高，会导致胶片上丢失层次细节，于是道具和服饰都结果茶渍浸泡。
彩色技术诞生前，人们就手工着色，或者在放映机前安装滤色镜的转盘，在屏幕前放一层有色薄膜。
早期彩色片从选题到摄影，需要受到特艺公司的指导。垄断一定程度阻碍技术进步。
而色彩还是特例的时期，选用色彩可能跟现实主义取向冲突，所以更容易在幻想性强的电影中运用，比如《绿野仙踪》。到了40年代，歌舞片基本用彩色。好莱坞更早地向彩色片过渡。宫廷片也偏爱高饱和彩色。
摄影师杰克·卡迪夫 色彩和照明的大胆处理
《黑水仙》朴素但鲜艳、色光饱和度高。其中一个场景用了自制的雾镜，被特艺认为清晰度有问题，技术质量不合格。
《红菱艳》绚丽、戏剧化的照明效果
可以让人记住影片的基调，《蓝色》回忆部分用棕色调，消色场景和白光，比较中性，将蓝调陪衬得更加突出。
摄影师Sven Nykvist
《安娜的情欲》
简化色彩：选择颜色单纯的实景，尽量单一颜色，淡装，避免暖调肤色。美术设计淡彩；洗印时进一步去掉颜色，退色。
《呼喊与细语》
三姐妹，红、白、黑三色块，节制的戏剧化
宫廷场景也减色
彩色片也可以做黑白的画面效果：逆光、大光比照明效果；棕色画面处理，达到早期黑白片调棕效果。
《玛格皇后》的人物服饰虽变化多端，但不像早期彩色片的色对比那么强烈，它在一种颜色基调的主导下微妙变化。并带有西方古典油画的色彩感。
自然光效不是自然光摄影，自然光效对标戏剧光效，使照明设计有光源依据、合理理由
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第六章 运动的摄影机和镜头变焦摄影机运动发展简述
利用自然运输工具
1896年，卢米埃公司操作员，欧仁·普罗米奥，将摄影机架在移动的小船上，拍威尼斯。运动摄影第一人。在这之前，摄影机都是在三脚架上，固定。
1899年，《隧道中的接吻》，摄影机架在火车头前，phantom ride.
1899年发明的移动设备，《卡比利亚》使用，弧线运动让移动摄影的动作更加复杂，“卡比利亚式移动”。
一些摄影运动突出的代表作，自制运动工具，《最卑贱的人》，摄影机绑在自行车、滑绳、肚子上；《战舰波将金号》使用自制摄影移动车，台阶铺木质轨道；《拿破仑》将摄影机挂在绳索、钟摆上，模拟轮船摇晃。绑在歌手胸前，模拟呼吸；《持摄影机的人》；《奥林匹亚》。
反向变焦，即希区柯克变焦，《迷魂记》；《大白鲨》
变焦代表作，《革命前夕》《冬狮》。 斯皮尔伯格《慕尼黑》，始终是动态的摄影机运动，甚至变焦，都比较自然，观众不会觉得别扭、意识到。
从心理描写和窥视的角度看，《意大利式离婚》描写人物心态。
推拉镜头，前景大小变化的比率大，观众有穿梭在前后景物的感觉；变焦不是。
第一部完全手持摄影的故事片，《筋疲力尽》
百年来的电影运动器材进步，体现在运动稳定性和自由度提高上。
扫视，需要有一个跟随点
为什么会眩晕、不适？
鲁道夫·爱因汉姆指出：“我们的眼睛经常和其他感觉器官合作而进行工作的。眼睛所参与到那个飞快移动镜头的世界，跟处在休息状态的全身肌肉所发出的反应存在差异。眼睛按照活动的条件进行，而其他感觉，包括平衡感，却报告身体处于静止。”
特技制作里程碑
1.漫改电影
2.Dogma 95
冯·提尔：“其实每个好导演都有自己的原则，他们只是没有写下来。当工作有限制，你就会逼自己去发挥自己的想象力。其实没有这些限制我们也能工作，就是要试一下有这些原则会怎样？所有的规则都是要我放弃控制权，做最基本的情感电影。” Dogma不是目的，而是通过Dogma让自己学会一些新东西。
"非Dogma电影是你构图，但Dogma是你注视，你感兴趣的是相互关系。” 随机捕获演员表演
赫尔佐格谈DV
2/3页电影技术艺术互动史读后感篇三
电影会不会像一百年前的绘画那样，被挤占生存空间、朝其他形式靠拢？电影会不会走向虚拟之路？数字影像导致巴赞影像本体论的解体？新的影像具有“虚拟现实主义”的特征，感官刺激压倒叙事？逼真不再是目的？
照相术的发明有着长期的技术铺垫和艺术需求，暗箱和照相术促进写实主义视觉艺术的发展，提高影像真实感。而数字和计算机技术是否会挤压摄影的位置？如果发生替代，那么电影将不再是“电影”，写实特征被颠覆。
这里强调的是真实感、逼真性，并非真实性。它跟场面调度有关、跟色差有关...都有文章研究。
默片的 1.33：1 （或4：3） 出自爱迪生实验室
35mm有声片 标准画幅比 1.37：1 美国电影制片厂联合会发1931年发布
伊斯曼1888年设计出世界上第一个简易照相机——柯达，爱迪生公司的威廉·迪克森也是柯达使用者，他订购了柯达胶片，将宽度裁剪一半，长度延长一倍，变成35mm宽、15.2m长的电影胶片，这样缩小画面，减少摄影机和放映机的尺寸。1891年妇女俱乐部放映的《迪克森的礼敬》就是35mm。
有声电影出现后，光学声轨占据一定宽度，变窄了，画幅比变成1.16：1，接近正方形。于是，学院规定成了1.37：1,将上下边也内敛些。
人眼习惯横向移动，沿着地平线运动；费赫纳尔研究欧洲美术画作，宽高比平均数为1.38：1，美国专家也有4:3的结论。统计美术家的惯用画幅，来衡量选择某电影画幅的美感原因，不完全准确。光学专家认为，舒适感视觉范围1.85：1，中央直接兴趣区域1.33：1。
1930年，世界上超过90%的电影院拥有1500个以上的座位（其实是剧院改造），这是后来大屏幕影院的基础。早期电影的标准画幅适合小银幕，画质也达不到大屏要求，越到边缘质量越差。
宽银幕技术编年史
宽银幕的实验，一开始没什么经济价值，被暂时搁置。40年代后，遭到电视普及、城市居民外迁远离影院、美国电影受其他国家保护政策抵制，好莱坞受到重创。电影生产的低谷期，好莱坞投入更多资金探索新形式电影，包括立体视觉、宽银幕和立体声结合。
那时候宽银幕的画质不高，其中CinemaScope和Panavison的竞争为典型。
CinemaScope兼顾宽银幕和立体声，用35mm胶片，变形镜头会让人在画面中央胖、特写也胖。Panavison不会畸变。
16：9的来历
3D立体效果，一定对叙事起间离作用
360°环幕电影，产生真实感的画面很有限，观众会厌倦
IMAX球幕电影，好位置重要。清晰度不均匀，四周模糊。重要景物在中央偏下1/3处，观看效果好。
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