电影《驾驶舱》通过一场飞机劫持事件展现了人性的复杂性和恐惧的真实性。主人公在极限压力下展现出的勇气和智慧令人动容，同时也让观众思考在危机时刻自己会做出怎样的选择。影片以其紧张的剧情和深刻的人物刻画引起了观众强烈的共鸣。
驾驶舱观后感(一)
括号内是我自己的理解，其它的都是我对三宅唱的原话的翻译的转述。 一，电影和纪录片之间的联系与区别：用fiction完成全部的documentary。人在生活中可以时刻用视频或照片记录现实，但是现实中仍有部分的细微和隐秘的真实无法被人的镜头捕捉到。因此，我们有了商业电影，组织大量的人员、场景和道具来重现那部分的真实。（意即电影与纪录片都是真实的：纪录片的真实有局限性，一方面来自于被摄者与摄影机、拍摄者之间的关系和处境，被摄者无法完全像平常生活一样——除非偷拍；另一方面来自于摄像机的局限性，它无法到达所有的地方和情况。因此有一部分真实是纪录片必定无法捕捉到的。电影的真实来自于虚构，“虚假”地创造人物、环境和故事，尽可能复刻全部的真实出来——虽然形式是假的，但形式中表现出的主旨和思想是真实的） 二，情节是装内容的盘子，就像一道菜，不论盘子有多么好看，真正重要的还是菜本身。（我的理解是情节是编造出的，剪辑也是一种编造，而内容是真实的理念和情感） 三，摄影机前后的被记录的人和拍摄者之间的关系是极度不平等的——因此三宅唱给了摄影机前的人相当自由和充分的发挥空间，让他们参与台词的编写和拍摄，将他们用手机拍摄下的片段加入纪录片中。（但我觉得这种“允许”也是上对下的） 四，关于《无言日记》：正因为完全的自由和无目的，所以不知道可以在拍摄中做些什么。因此三宅唱给自己设立了规则，只能按照拍摄时间顺序来排列所有被纪录的素材，除此之外不能进行任何剪辑操作。但是规则的设立正是为了规则在必要的时候被打破，这种打破规则会诞生意义。因此三宅唱选取了一个镜头，对那个瞬间进行了慢放。（一个女人在挥舞一大把燃烧的叶子） 五，为什么《无言日记》不再拍下去了：一方面是因为疫情，另一方面是因为三宅唱发现自己拍的东西和大家拍的没什么区别，称之为无意义的影像。（你还真别说，真有点像女大朋友圈的live图）
1/3页驾驶舱观后感(二)
这部片在什么场所放映过 有没有人站着看
答：在美术馆放过 在电影院用live house的设备放映过
是怎么认识这波音乐人的
答：我决定拍的时候 还不认识他们 我是他们的粉丝 去live house看他们演出 我很犹豫要不要拍 因为他们看起来很凶 我去live house的时候 在走廊里碰到了他们 感觉态度还不错可以认识一下 拍完了之后就认识了 后来也会一起玩
我想起来拍摄过程中的一个故事 这个片拍了两天 他们就睡在那里 我回家睡 我第二天去片场的时候 看到他们还在睡 他们讲他们早上七点才睡 晚上讲鬼故事 吓得睡不着 我想他们关系应该挺不错的
分屏的设计
答：我在剪辑的时候想起来的 不太常规 想表达一种hiphop的自由感
这个片子是爱知县艺术中心邀请的 是个命题作文 身体表达 从侧面拍更能体现身体的动作
对声音的处理 惠子凝视的声音处理很不寻常
答：不仅声音方面 我一直想拍个超越驾驶舱的电影 我特别喜欢驾驶舱 虽然简单 惠子拍摄的时候有一个打乒乓的镜头 我觉得可以跟驾驶舱相提并论
观众提问
片名怎么来的
答：拍摄的时候没想法 剪辑的时候发现很像驾驶舱
是否有给音乐家提创作建议
答：我给他们提的建议是 拍一首歌创作的整个过程
对这种命题作文的拍摄计划会规划时间周期吗
答：我问他们创作一首歌需要多久 如果他们答一个月 我会规划一个月的拍摄 他们说两天 所以我们拍了两天 片中的音乐人是个混血 媒体采访他的时候 会讲因为他的黑人血统所以他能创作这样的音乐 我不想这么表达 拍摄之前就想好了这样的拍摄方式 剪辑花了八个月
是什么触发了后续的MV合作
答：受到了很多影响 他们认真的态度 看起来是不良少年 其实他们很尊重音乐历史 每天认真创作 我很尊重这种态度 我也很喜欢他们的歌词 hiphop很多歌词都是吹嘘自己多成功多厉害 他们的歌词会表达自己虚弱的地方 很真诚 我很喜欢
剪辑的时候 我看着显示器里的片子 仿佛在看镜子 我也在剪辑器电脑前 反复的操作 跟他们一样 平时的工作状态并不是很开心 有很多麻烦的事情 但是看他们工作的时候很开心 我想我工作时也应该开心一点 比如开心的写邮件 看他们的工作过程给了我很多力量
导演是否有想拍一个完全的音乐电影
答：有想法 但是觉得很难
2/3页驾驶舱观后感(三)
在三宅唱的长片《回放》创作结束近两年半之后，他推出了新作《驾驶舱》。这部影片以新一代嘻哈音乐家的创作场景为主题，通过真切且亲密的视角展现了“音乐创作”的乐趣和惊喜。OMSB 和 Bim 将创作行为转化为一种生活方式，其姿态在劳作与游戏之间游弋。在下文中，我们将为您呈现导演三宅唱与制片人松井宏关于《驾驶舱》的专访。
田中龙辅（下文简称田中）：导演是从什么时候开始听嘻哈音乐的呢？
三宅唱（下文简称三宅）:应该是小学六年级的时候。当时在听家乡的FM广播，第一次听到了日语说唱。有个专门播放嘻哈/黑人音乐的节目叫《Street Flavor》，内容非常丰富。1996年恰好在日比谷野外音乐堂举办了大型嘻哈活动“Sampin CAMP”，这股风潮甚至传到了札幌的小学生耳中。我深受影响，从此就开始听嘻哈音乐了。
不过不知为何，我从来没有完整听完一张专辑的习惯。要么反复听广播录音磁带，要么听朋友给的混音带。来东京后，比起买CD，我更常去夜店。后来才意识到，我可能只是单纯喜欢那些节奏，或者享受随着音乐晃动的感觉。
真正让我产生这种反思其实是最近五六年的事——从某个时刻起，日语的歌词突然能触动到我了。虽然有点不好意思，但确实比较晚。当开始把说唱词句当作信息接收后，我会被触动、产生思考，自然也会联想到自己的人生和电影创作。虽然一直听嘻哈，但和它的相处方式确实发生了这样的转变。
三宅唱《驾驶舱》（2015）
田中：这次电影中出演的OMSB和Bim，您喜欢他们也是因为这个转变吗？
三宅 : 没错。OMSB和Bim是比我稍年轻的一代。大概就比我小一点的人们，出生时嘻哈文化就已然存在。虽然不能完全用世代划分，但这种差异不容忽视。他们与嘻哈的距离感不同，风格、措辞、表达方式自然焕然一新。现在的年轻人既充满新鲜活力又脚踏实地，很酷啊。OMSB和Bim风格迥异，但我都喜欢。两人都坚持真实自我，带着自信做自己，这点是共通的。另外他们的幽默感也特别对我的胃口，有时会让我忘记发笑只顾惊叹。
田中：会想把他们创作音乐的过程拍成电影？
三宅 : 虽然也有作为粉丝想近距离观察的心理，但最单纯的动机就是“想知道他们每天是怎么做音乐的”。其实早在具体构思这部电影前，我就觉得在各类创作者中，说唱歌手最有意思——他们不断产出新作向世界传递信息，制造刺激与幸福。过去我主要通过电影获得创作动力，但现在坦白说，同龄说唱歌手们在多方面都更有趣。说唱文化要求兼具新鲜感与对历史的尊重：要新鲜就必须了解历史，但了解历史不等于模仿。即使比我年轻许多的说唱歌手们，也让我感觉他们真正懂音乐。这种钻研不是勉强为之，纯粹出于热爱自然就会去挖掘过往音乐。相比之下，同龄电影人和影迷身上较少见到这种动力，我自己对电影史的敬意与追求新鲜感的平衡也远未成熟。拍完《回放》后，我不断构思新的电影企划又不断否定，陷入停滞时听到这些说唱歌手持续产出新的作品，不禁让我想“我也想像他们那样创作”。
田中：比起拍摄关于说唱歌手的电影，您更想和他们共同创作？
三宅 : 是的。觉得观察他们的创作或许能获得启发，通过共处一室共同拍摄也许能领悟些什么。不是“要去做”而是“已经在做”。
田中：电影中的房间是什么地方？几乎没有家具像是来集训所似的。
松井宏（下文简称松井）：那是出演者VaVa和Heiyuu刚搬的公寓，家具还没添置。
三宅 : 我们把OMSB的设备搬了进去。所以这是专门打造的拍摄场景。虽然看似是摄影团队去他们住处取材，实则是集合到特定场所开启的电影创作。
田中：用了多少台摄像机？
三宅 : 带了三台，实际用两台。一台固定机位，一台基本手持。
田中：除了场地选择和机位，是否有其他导演调度？比如后半作词场景会指定站位吗？
三宅 : 应该没有。唯一要求就是“待在这个房间”，出入自由。不过他们一开始放着音乐聊天，我们请求关掉音乐重来了一次。若说这不算传统意义上的场面调度的话，营造房间氛围、细微互动、现场对话其实都是导演工作，或者说整个拍摄现场都在演出状态中。
三宅唱《驾驶舱》（2015）
田中：拍摄素材总时长多少？
三宅 : 20多小时。两天都是从下午1点拍到深夜。杀青时成就感爆棚，现场实在太有趣了，充满不可思议的瞬间。虽然担心是否都被镜头捕捉到。
松井：只有我和共同摄影的铃木淳哉看了主摄像机（正面拍摄人物的镜头）的监视器。当某段音乐成型的瞬间，我们无声对视，感觉进入到“创作的巅峰时刻”了，超兴奋。
田中：剪辑时如何把握节奏？
三宅 : 希望观众能体会到我们现场的震撼与激动。当然影院体验与亲临现场不同，所以通过电影特有的时间编排来引导情绪。
田中：对您而言OMSB的魅力何在？
三宅 : 他的酷源于音乐本身，更源于其生活方式——永不停步，坚持动手实干。最近我常想：人生难免因悲伤困苦而驻足，但世界不会因此停滞，所以必须掌控节奏继续前行。这种时候就想拍那些持续向前的酷的人。
举个电影的例子：盐田明彦导演在《电影术》中分析弗里茨·朗的《大内幕》——警探妻子因汽车爆炸去世后，多数电影会细致描绘葬礼与悲痛，但《大内幕》紧接着就让警探投入工作。再比如托尼·斯科特镜头下的丹泽尔·华盛顿，遭遇变故瞬间就脱剩T恤开跑。当然描绘挣扎的作品也很好，但既然要跑，我更想看奔跑的姿态。因为这才是最酷的。电影本该如此，让人向往。
每当自己停顿时，想起电影里的OMSB们就能重启创作。当然OMSB本人肯定也有卡壳低潮期，如何突破这种阴郁状态对我至关重要。他的音乐里蕴含着面对低谷的态度与重燃激情的方法，令人感动。他从不空喊“要去做”，而是用行动宣告“已经在做”。OMSB的新专辑叫《Think Good》，但发行行为本身已成“Do Good”。这部电影就是我的实践。宣传语最终定为“真实地活着”，刻意不用“活出真实”或“去真实地活”，强调现在进行时。
Hi‘spec、三宅唱与OMSB
田中：观影时感到单纯的快乐与元气，这种效果并非来自刻意的励志信息，而是画面中人工作状态的自然流露吧？
三宅 : 很高兴您这么觉得。我认为《驾驶舱》是面镜子——不是反映现实的镜子，而是让银幕另一侧成为现实，迫使观众自我映照的镜子。剪辑时，通过模仿画面中他们的工作方式，自己竟在践行相同的事，思维和双手都活跃起来。
之所以选“驾驶舱”为题，因为这通常是指飞船或汽车的操控中心。将他们的房间称为驾驶舱，自己的房间便也成了驾驶舱——创作、工作、生活，都是在驾驭自己的人生。虽然樋口泰人会用“冲浪”比喻，但内核相似：如何驾驭浪潮？不仅是创作时，即便只是活着，每封邮件（像我这种讨厌写邮件的人）都可视为推动人生的操控动作。把工作间当作驾驶舱，发邮件也变得有趣起来。希望观众通过OMSB们专注而快乐的工作状态，直接感受到这种能量。
田中：这部作品最终定版为64分钟，背后经历了怎样的过程？听说您与制作人松井先生反复商讨剪辑方案。
松井：剪辑确实让人纠结。最初版本只有40分钟左右，我和三宅、铃木一起看后，一致觉得“这不对”。它像一部精选片段集锦，缺少“无聊的时间”。但那些看似无聊的时间恰恰不可或缺，尤其在展现OMSB制作音乐的段落时，观众既会感到有趣，也会经历自然的“平淡期”——这种平淡绝非负面，而是创作过程中必要的节奏。
三宅 : 就像用1分钟的新闻片段概括90分钟的足球比赛，只能展示进球瞬间。但只看进球无法理解整场比赛的攻守博弈。0-0僵持时，有人觉得无聊，有人觉得刺激。音乐创作的时间也是如此——每一个瞬间都充满未知的判断与转折，对我而言无比迷人。
我一直希望新作控制在70到90分钟内，但这次64分钟并非刻意为之。若主题需要3小时，我也会拍成3小时。尝试过40分钟和80分钟版本后，最终64分钟最有趣。80分钟版虽然更“电影化”、更具记录真实性，但反而显得冗长，甚至违背了嘻哈的气质。作为一部与嘻哈相关的电影，“酷”和“有趣”才是核心。忠于拍摄对象的精神，比追求传统电影的正确性更重要。
松井：比如三宅曾纠结某个镜头“人物表情很棒但镜头本身较弱”，我鼓励他大胆使用。所谓“强弱”本身就很模糊，即便是“不达标”的镜头，只要能让作品更丰富，就该保留。纪录片或剧情片皆如此——打破“电影该有的框架”没什么好怕的。
三宅持续一年多在《boid》杂志连载用iPhone拍摄的《无言日记》，其魅力不在于“某个镜头多厉害”，也不全靠剪辑。理论上谁都能拍这样的作品，但换作别人绝对拍不出同等趣味。这种“不可复制性”令人着迷。
三宅唱《驾驶舱》剧照
田中：您在惠比寿影像节放映《无言日记》时提到“刻意避开有趣的角度拍摄”，但近期的《无言日记》连这种束缚都淡化了。关于“何谓电影”的判断标准似乎在逐渐消失？
三宅 : 大概因为我不再害怕“失败”了吧。比起纠结成败，探索新可能性更有趣。《驾驶舱》也带着同样的心态创作——想到点子就先试试，成功了觉得“电影边界又拓宽了”，失败了也无妨。拍《回放》和《无用的人》时总想着“必须做成电影”，反而痛苦；这次却充满单纯的快乐，连自己都惊讶。
松井：这次拍摄对象本身迫使我们去触碰“创作究竟是什么”。甚至可以说，这部作品的核心就是探讨“何为作品”“何为艺术”——这比“何为电影”更重要。
拍前几个月，我去演员朋友家玩时偶遇Bim。他和朋友即兴创作：播放电脑里的beat，两人沉默地埋头写词。起初觉得“你们在搞啥”，但看着看着逐渐兴奋到坐不住，自己也尝试写词却完全不行……那天他们甚至录了音，Bim赶末班车离开时潇洒一句“辛苦啦”。虽未完成什么，但“正在创造”的实感无比珍贵。
三宅：我可能曾丢失过这种实感。就像小时候在墙上涂鸦，创作电影也需要这种本能。OMSB每天早起就坐在MPC前，纯粹因为“想做”而做。如今我坚持拍《无言日记》，也是受他和说唱歌手们“持续动手”的激励。
松井：冒昧地说，我希望这部作品能拥有理查德·林克莱特《少年时代》般的时间流动感。那部电影也是在未知中拍摄，平衡现实与设计。其实我和三宅都不认为《驾驶舱》是传统“纪录片”，只是外界非要用这个标签。正如三宅所说，我们只是“在同个空间里一起拍了部电影”——林克莱特大概也是这种感觉吧。
三宅：一点不冒昧啊！《少年时代》主角不也默默拍着“无言影像”吗？简直和我一模一样……抱歉跑题了。
田中：《驾驶舱》不仅是一部以特定对象为前提的作品，更是让人感受到三宅唱这位电影作者全新挑战的电影。我认为它应该与另一部近作《无言日记》结合起来思考，但最直观的感受是，导演与电影的相处方式似乎发生了根本性的改变吧？
三宅 : 在开始制作《无用的人》《回放》的初期，我总抱持着“电影必须是这样！”的绝对基准。学生时代时，我只是凭一时兴趣随意创作，总感觉缺乏根基，觉得自己在制作似是而非的东西，产生了“这样下去不行”的焦虑。于是不断思考“对我来说电影究竟是什么”，渐渐形成了“电影必须是极其严谨、高纯度的东西”的执念，认为必须严格区分什么是电影、什么不是。
田中：您所说的纯度是指所谓“电影感”吗？
三宅 : 是的。当时认为只有通过极端严谨的思考才能触及电影本质，为此投入了大量精力。现在我把这种态度称为“洁癖症”。但后来突然意识到：电影的包容性其实极为广阔吧？这个发现让我如释重负。
粗略来说，我认为电影终将分化为百亿大片和家庭录像两种形态。虽然希望有中间形态存在，但与其在中间地带勉强模仿商业电影打必输之战，不如探索有趣的家庭录像可能性更有意思。就像谁都不想看别人家孩子的运动会录像，但若能拍得妙趣横生，那才是真本事。而且能做到这点的话，或许也能驾驭百亿大片呢？虽然这个逻辑有些跳跃，但从创作本质来说两者是相通的。
当然，昔日好莱坞和日本片厂培育的精湛技艺依然存在，但那些传承已然断绝，即便存在，在当下创作环境中也难以施展。既然如此，与其在不上不下的预算框架中勉强制作劣质拷贝消耗精力，不如立刻着手制作有趣的家庭录像。老实说，我仍怀揣拍摄大制作的梦想，也常自我打气说“要为此磨练家庭录像的导演功力”。但我真心认为家庭录像才是未来。
三宅唱、Bim与OMSB
田中：您认为电影不是通过提出问题去抵达目标，而是创作结果的产物？
三宅 : 说是结果，不如说是入口。我认为电影是对眼前事物的真实发现。电影就在眼前，所以人人都能感知。它不是需要拼命抵达的狭窄领域，而是眼前展开的广阔存在。因此，我现在热衷于在嘻哈音乐、涩谷街景中发现和创造电影。这种只需观察就能处处发现电影的过程充满乐趣。电影不会从虚无中诞生，为电影而做的事是完全不同的概念。毕竟我们不是为拍电影而活，而是通过拍电影建立人际关系、获得幸福，这才是正确的顺序。
田中：预告片中Bim在构思歌词时说“想从这个小房间向更广阔的地方传递信息”，之后却欲言又止的场景，似乎与您关于电影广度的讨论相呼应？
三宅 : 确实如此。剪辑时我甚至惊讶“他们怎么在拍摄阶段就精准预言了这部电影的本质？”。因为他们认真生活，所以能直觉地感知到正在发生什么、这将成就怎样的电影，也擅长将其语言化。日常创作歌词的训练确实赋予他们独特的优势。
田中：本片让人联想到菲利普·加瑞尔、雅克·杜瓦隆等法国导演在小空间内拍摄的杰作，但《驾驶舱》呈现出崭新的形态。
三宅 :或许更应视作日本独立电影四叠半传统的延续。这类作品常被批判为“半径五米电影”，否定这种创作本身甚至成为某种权威。但强行否定后的“开疆拓土”往往导致根基虚浮。我过去也厌恶这类作品，但问题或许不在“半径五米”本身，而在其展现方式的俗气与自怜自艾。反观我钟爱的嘻哈音乐，正是坚守五米半径的生活实感，将其升华为酷炫艺术。我坚信电影同样能做到。
另外有个新发现：电影的魅力在于“比实际稍大的呈现”。比如在银幕上观看房间场景时，实际会比实物稍显宏大，这种显微观察正是电影的力量。不必执着于拍摄宏大自然，聚焦数人空间反而更能突显细节，这正是电影存在的意义——比实物更宏大。
松井: 与其说向世界开放，不如说《驾驶舱》是让世界能量注入这个小小驾驶舱。我们在半径五米的驾驶舱内精进技艺，准备接纳外界能量。之前在巴黎真实电影节重逢吉约姆·布哈克，他的作品和对话给予我们重要启发。
三宅 : 吉约姆提到的贾德·阿帕图式现代喜剧启发良多。那些传递欢乐的电影都以拍摄对象为本。《回放》最初定位为喜剧，但最终未能达成预期。这次借助OMSB和Bim自带的积极能量，终于实现了喜剧氛围。为被摄者创作的幸福感，这次获得更直接的连结——不再为电影本身焦虑，纯粹享受为人创作的快乐。
松井：吉约姆看完本片后深受感动，甚至考虑为下部作品先拍摄小型纪录片。
田中：最震撼的当属结尾插入的“面孔”特写。这个镜头既遮蔽了事件结局，又展现出超越性的发现。
松井：那是直觉决定的剪辑。
三宅 : 那个特写犹如镜子——观众此刻的表情必定与OMSB如出一辙。虽难以言喻，但相信观众会心领神会。
田中：那张脸并非代言创作苦痛，更像是静默的背脊。与其说诉说，不如说以沉默肯定镜头未现之物。
三宅唱《驾驶舱》（2015）
三宅 :与其说肯定，不如说是爱。即使无法完全理解他人，依然可以去爱，电影正是实现这种爱的实践。若必须全知才能去爱，爱将永不可能。我想用镜头去爱，而非暴露无法去爱之物。
虽然不少人建议拍摄续集，但当下觉得本作已足够完整。OMSB和Bim的不可替代性至关重要，这就像角色与演员的关系——谁都可以，但非此人不可。
田中：主角们如何评价片中自己？
三宅 :试映时他们抱头大笑、吐槽连连的场景最令我幸福。能边聊边笑的试映会实在难得，这份幸福无可替代。
来源：Nobodymag
采访＆撰稿：田中龙辅
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