《霍克尼论摄影（增订本）》通过对大师霍克尼的摄影思想和作品进行深入解读，揭示了摄影艺术的多样性和创新性。书中强调了观察力和想象力在摄影中的重要性，同时探讨了摄影与绘画之间的关系。霍克尼以独特的视角启迪读者，激励人们发现平凡生活中的美。
霍克尼论摄影（增订本）读后感篇一
作为当今依然健在、作品拍价最高的画家，大卫·霍克尼有着极具特色的艺术观念和对视觉的独到见解，一个著名画家对摄影的另类解读背后是殊途同归的永恒议题——关于人类的“观看”。观看也恰恰是图式激活的重要途径，在“观看”的瞬间，从眼睛到意识到底发生了什么？霍克尼自创的“摄影拼贴”简直就是将“图式如涟漪般激活”的过程视觉化了，墙裂推荐一看。
霍克尼论摄影（增订本）读后感篇二
（个人的一些拙见，如有不对的地方烦请批评指正）
霍克尼对于摄影、透视法的批判，在我看来本质上是对人们认识事物，观察事物方式的一种批判。
他认为摄影这种方式在空间和时间上都具有很大的局限性，摄影的“观察”与“认识”，是局部与静态的，从这个角度引出人们在观察事物时也会存在这样的局限，人眼对事物的观察也不过是图像在视网膜上的成像，因此“并不存在真正的客观视角”。
霍克尼将摄影与绘画进行对比，他认为比起被观察的事物本身，观察者的认识更为重要。我觉得这与柏拉图的观点有些相似，即“事物的‘一’只存在于理念世界”，对于事物的本质，只能去理念世界中寻找。而绘画这种方式，是人们将事物在脑中抽象后进行的一种表达，因此相较于一般的摄影也更为“高级”，更加接近事物的本质，而立体主义以及霍克尼创造出的拼接摄影，就是对理念中抽象认识的一种再表达，这些表达者、追寻者们希望通过这种方式与手段的创新能够更加接近事物的本质。
霍克尼论摄影（增订本）读后感篇三
《霍克尼论摄影》一书谈论的是摄影，但其实是想探寻艺术家观看事物的方式。受立体主义和毕加索影响，霍克尼在探索「观看方式」时，发现可以利用摄影来推进「移动透视」的绘画技法，无心插柳一般创作了一系列独特的摄影作品。
霍克尼的方法出乎意料的简单——在移动中用不同的焦点拍摄了很多照片，然后将照片进行拼接，在拼接时恢复摄影时的记忆，创造出时空交互的抽象意念，让静态的场景呈现出过程。如毕加索的绘画，既画了正面也画了侧面，在二维中看见了多维。
霍克尼认为单点透视凝滞了时间和空间，而叙事必须是在时间的流动当中进行，所以透视法让叙事变成了一件难事。这和桑塔格对摄影所希望实现的目的很不相同。桑塔格认为照片就是一种切得整整齐齐的时间。在我看来，这些摄影的观念没有对错之分，重要的是你想运用摄影做什么事情。在霍克尼眼中，摄影只是观看方式的一种工具罢了。
本书中的大峡谷和龙安寺，是霍克尼“透视碎片化、拍摄后拼接”拍摄方法的代表作。拍摄大峡谷时，面对无边无际又不断变化的自然奇景，霍克尼说这是一个“不可拍摄的地方”。这种空间的震撼，将感受捕捉下来似乎是一个不可完成的任务。而龙安寺，三面矮墙围合的长方形日本枯山水，想拍到整体，只能用广角拍摄，但广角是变形的；如果只拍摄局部，又无法体会游走坐下的不同观察角度所带来的变化之奥妙。一自然一人工，一大一小两种空间，霍克尼都用了拼接照片的创作手法，摆脱了传统透视法的束缚。
或许你会说，这不是很简单的事情吗？的确，拼接是很简单，如何拼接则因人而异，就像拿起画笔面对一块画布，谁都可以在上面涂抹，而每个人都会涂得不同。霍克尼在拼接照片中始终没有忘记绘画，他每贴上一张照片，就如同在画布上落下笔触。“拼接照片并非一种风格，而是一种技法。”用绘画的技法拼接照片，才是霍克尼摄影在本质上的独特之处。
本书还有很多有趣的观点，全书都是采用对话的形式，跳跃而散乱。我从霍克尼的思想中得到的最大启发还是——观看方法决定了摄影的独特性，而不是你所处的环境与拍摄的对象。但这太难了。
霍克尼论摄影（增订本）读后感篇四
霍克尼论摄影（增订本）读后感篇五
文艺复兴时期，欧洲人发明了透视法，在平面上表现空间的纵深感，采用近大远小的原则，纵深方向平行的直线在无穷远处最终汇聚消失的一点，也称为焦点。
这种传统透视法在图像层面的叙事有一种局限性，那就是只能呈现一个动作的瞬间，像是一种摆拍。
对于空间真实性的追求所导致的必然结果，就是牺牲时间的流动感。
在现实世界中，我们的视线是无时无刻不在移动的，视觉不是静止的，它伴随着时间的流动，是连续的、多焦点的透视。因此，从某种意义上来说，传统的焦点透视法其实是一种琥珀式的定格幻觉，它凝滞了时间和空间，我们用传统透视法观看到的实际上是一种“死亡”。
几百年来，透视法影响着绘画，影响着我们的观看和思考。相机发明出来以后，人们以为摄影超越了绘画，开启了新的观看方式。很多人都曾预言绘画会逐步走向终结，相较画笔而言，相机按一下快门就可以保存视觉和记忆，是更便捷、更真实重现世界的工具，有了相机，还要绘画干嘛呢？
今天介绍的这本书是保罗.乔伊斯对大卫.霍克尼的访谈录《霍克尼论摄影》，他们在这本书中探讨了摄影与绘画和观看之间的关系。
大卫.霍克尼是英国在世的最著名、最伟大、最广为人知的艺术家之一，他不仅用画笔画画，还用相机画画，一直在用科技挑战艺术的可能性。
想象一下，如果你是一名既会摄影又会画画的艺术家，你拍的相片和画的画都价值不菲，当你缺钱的时候，你更舍不得卖你画的画还是更舍不得卖你拍的照片呢？
霍克尼的答案也许会让你大吃一惊，他缺钱的时候就画画或者制作版画，然后出售卖钱，他几乎不怎么卖他拍的照片，这不仅仅因为照片卖出去就很难再找回来了，更深层的原因是他对于新的摄影理念的颠覆和坚持。
在大卫.霍克尼看来，按快门的摄影将艺术带入了没有发展的死胡同，这种摄影恰恰是传统透视法的还魂，更是对于突破传统透视法的观看方式的终结。
什么样的观看方式是突破传统透视法的呢？
霍克尼的答案就是——立体主义。
立体主义以多角度来描写对象物，并将其置于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。
立体主义不是对于对象物的扭曲和变形，而是在同一个平面内放置不同角度的透视，让观看的过程有了介入感和时间感。
立体主义突破了传统透视法的禁锢，是一种关于时间的创作，为我们打开了超越想象的叙事可能性之门。
于是，霍克尼开始用相机当画笔，用立体主义的方式解构摄影——通过拼接照片的方法，拆解、拼接、重新呈现眼前熟悉的世界。
比如这个作品，霍克尼用拼接照片的方式制作的《我的母亲》 ，左下角是霍克尼的脚，如果用他这个视角去拍摄母亲的话，单一照片是没有办法将他的脚也拍进去的。霍克尼就用了这种拼接照片的方式，这使得他的照片有一种与众不同的空间感和时间感，还记录下了他和母亲的联结。
霍克尼的拼接照片有点像塞尚和毕加索的画，外表看起来像塞尚，内核更像毕加索，而创作形式则只属于霍克尼。对大卫.霍克尼影响最深的画家就是毕加索，在霍克尼的拼接艺术里，有着毕加索的影子，和立体主义的灵魂。
大卫.霍克尼《弗斯滕贝格广场》
大卫.霍克尼《繁梨花公路》
与传统摄影相比，在拼接照片里，霍克尼可以随意改变形状、动线和时间。拼接照片不再是同一个传统透视法的视角，而是一小块一小块不同时间和空间的堆叠，这种堆叠可以无限延展（如果展示空间足够大的话，拼接照片可以从一个点延伸到整个宇宙），是吸引着观众参与其中的可能性的艺术（每一张照片都是一个独立的视角，观看的时候，像是漫步在多维空间，不仅是空间的变幻，还能介入其中，切身感受到时间的流动）。
霍克尼一直致力于在平面上展现复杂视角：“艺术行业的人并未认识到这一点。他们还不够聪明，但是，将来最终会回归到静态的图像上来。静态的图像有更多的内涵，更多的深度。认识到其内涵和深度或许会需要很长的时间。”
这也是霍克尼将相机引入绘画的原因，这不是表现形式上猎奇，而是抵达真实之路的探索。他用拼接照片重新定义了摄影，颠覆了摄影的观念体系，丰富了艺术的领域，打开了现代艺术的可能性。
之前从未想过立体主义和摄影会联系在一起，读了这本书之后，才发现绘画流派绝不是标签、定义，也不是仅仅存在于纸面上的技法，它们其实是可以影响我们的、不同的观看和解读世界的方式。
正如书中所说：“艺术改变了我们的世界观，改变了我们和世界之间的关系。”
