《如何拍电影》这篇文章阐述了拍电影的基本流程和技巧，包括选题、剧本创作、拍摄技巧、后期制作等方面。作者强调了创意和团队合作的重要性，同时也指出了拍电影的困难和挑战。这篇文章让我对电影制作有了更深入的了解，也让我对电影行业充满了向往和敬畏。
如何拍电影读后感(一)
很浅显的书，，，并没有关于电影的复杂的东西，，，其实这本书应该叫评论电影或许很合适，，，夏布罗尔对电影的流程进行了诠释，，，，很笼统地解释，，，并没有详细的指导，，，不过当成电影书看还是可以的，，，其中的观点也很不错，，，毕竟艺术没有标准，，，理论上有限，，，艺术上无限，，，
说到底，，，还是要去做，，，去拍一拍，，，看看自己的水平，，，
如何拍电影读后感(二)
这是法国电影大师克劳德•夏布罗尔（1930年6月24日—2010年9月12日）的一本拍电影的经验之谈，毕业于巴黎大学，1950年代末期开始的法国电影新浪潮的先驱导演之一，曾四次获得凯撒奖提名，六次金熊奖提名，三次金狮奖提名，两次戛纳金棕榈奖提名，1959年凭借《表兄弟》(Les Cousins)获得第九届柏林电影节金熊奖。但是他在中国的知名度很低。 在这本书中，他比较全面地概括了拍电影的整个流程当中的重要环节，但是，他不是具体讲解每个流程环节的具体内容，而是凭借他多年拍电影的体会，谈了这些重点环节上，应当注意的一些细节。初学入门者可以粗略地了解一下整个过程，但，有些具体的体会感受不深。 拍电影的整个环节大致包括了拍摄，剪辑，场记，灯光，布景，道具，服装，混合录音，以及最后放映，对电影的评价。
如何拍电影读后感(三)
所谓的电影学派，根本是无稽之谈 拍一部电影很费钱，我们首先要问问自己为什么要拍电影 有两类导演：叙述者和诗人（但诗人这词并不完美） 诗人是尝试表达出世界观，而不是对事物的一些看法 一部优秀的叙述者电影总要好过一部差劲的诗人电影 把一些确定因素变成随机因素，这让我吃惊 光靠一个剧本大纲是永远拍不出电影 思考性的电影，在写剧本的时候，问自己我想要什么 改编：如果对一本书没有一见钟情，通常不是一个良好的开端 糟糕的制片人脑袋里只有两件事：尽可能少花钱，尽可能多赚钱 为了拍好电影第一条建议是不要听从建议 导演要学会聆听 演员是疑心很重的人，是自视甚高和不安全感的混合体 记住开拍前准备好的是理念不是形式 剪辑：电影并不是精确到秒，而是1/24秒 最好实景开始，摄影棚结束 录音师与录音师、录音棚与录音棚之间都会产生不同效果
如何拍电影读后感(四)
所谓的电影学派，根本是无稽之谈 拍一部电影很费钱，我们首先要问问自己为什么要拍电影 有两类导演：叙述者和诗人（但诗人这词并不完美） 诗人是尝试表达出世界观，而不是对事物的一些看法 一部优秀的叙述者电影总要好过一部差劲的诗人电影 把一些确定因素变成随机因素，这让我吃惊 光靠一个剧本大纲是永远拍不出电影 思考性的电影，在写剧本的时候，问自己我想要什么 改编：如果对一本书没有一见钟情，通常不是一个良好的开端 糟糕的制片人脑袋里只有两件事：尽可能少花钱，尽可能多赚钱 为了拍好电影第一条建议是不要听从建议 导演要学会聆听 演员是疑心很重的人，是自视甚高和不安全感的混合体 记住开拍前准备好的是理念不是形式 剪辑：电影并不是精确到秒，而是1/24秒 最好实景开始，摄影棚结束 录音师与录音师、录音棚与录音棚之间都会产生不同效果
要把光线调均匀
音乐的作用并不是制造节奏，如果场景本身并无节奏感，那音乐富裕的节奏感注定失败
任何不能把拍摄过程当做享受的导演都不该继续拍电影。他应该去干点别的，世界上还有三十六种别的方法可以表达自己
如何拍电影读后感(五)
在上海书展后浪展位五折买的，当时人挤人，在货架上只看到这个和斯科塞斯熟悉的，就拿了这两种。
书并不厚。120多页，章节分得也舒朗，读起来可以很快，可是真的理解并琢磨实行就不是小工程了。
夏布罗尔在我以前狂看欧洲片时候也看过两部。看介绍说他在法国新浪潮著名导演里拍片最多，效益也好，不多在当时的D 版市场上好像片并不多。就我来说，目前是特吕佛和侯麦最多，十几张，戈达尔也有七八张，里赫特和夏布罗尔两张。不是翻豆瓣记录，我都不记得看过夏布罗尔的电影名字是什么。其他几个人印象还是深刻的。
这本书都是夏布罗尔的大实话，怎么拍片，没高深的理论，只有具体的想法，导演是做什么的，是写给业界内的人的书，首先告诉你，“拍一部电影是很费钱的。所以在讨论如何拍成一部电影之前，我们首先要问问自己为什么要拍电影。 为什么？答案因人而异。 在我们这个时代，电影收获了一种相当诡异的声誉。我们同时代的人想做的不是拍电影，而是进入电影圈，这完全是两码事。想“进入电影圈”的人不会对拍电影产生真切的需求。拍电影这事，并不像他们所呼吸的空气一般不可或缺。 ”
然后告诉你各部门的流程，应该注意的事项。场面调度对一个资质平平的人来说就只要4小时就可以学会，至于好坏那 是天壤之别了。
分门别类的谈的服装音乐节奏等等。非常实在的拍电影入门书，但是师傅领进门，修行在个人。世界上的烂片肯定比好片多。
做到业界一定位置，说话也可以这么随心所欲，不拿着端着了。
如何拍电影读后感(六)
就像夏布罗尔说的，让导演谈“怎么当导演”又简单又难：简单的是，“场面调度的理论知识”四小时就能学会、各种课程都能细微的教导镜头的把控，等等；难的是，这些东西又不是明白了理论就行，需要不断实践和总结。
因此“我们绝对不能说就是应该这么做，因为每个人都有自己拍电影的那一套”
【关于演员】
“对我来说，我不喜欢为某几个特定的演员量身定做的剧本。即便我知道谁会出演，我也不会为了他们而创作，因为我感到如果那样的话，很可能会生产出复制品和相似的东西”
“我要用某个演员，我要使用他的性格特点来编写对话，（这样做）优点是我们可以用文字游戏和名人名言轻松地写出对话，因为在这个文本中，该演员会是最佳人选。缺点是我们使用的是这个演员先前的性格特点。这就最终演变成了无意识的重复。永远不要忘记，有时候演员身上吸引我们的东西会变成令我们厌恶的东西，因为他们老是同一个样子”
“引导演员以您希望的方式去发现人物角色，这么做就会一切顺利”
“此外，我在拍摄之前和演员说话或者给他们留言的时候，一贯以他们在影片中角色的姓名称呼他们”
“既要和他们足够接近，又不能依仗他们，不能在他们的空档期见到他们”
【关于场面调度】
“要让人根据特定的节奏，以凸显其人性的方式在空间里移动...这和他们说的推拉和变焦速度等无关”
【关于音乐】
“音乐在一部电影中扮演什么角色？我经过反复思考认为，音乐的作用是提醒观众，他们看到的只是事实的一部分”
【关于影评】
“有时一部电影要获得赞誉或许得等待无数年。同样的道理，大手吹捧的电影二十年后可能是差劲的作品”
如何拍电影读后感(七)
叙述者就是那些想讲故事的人，他们的脑子里并没有一道独特的世界观，似乎也没有特定的信息要传达。相反，他们想为他人创作的故事赋予诱人的形式。到最后，这些人几乎是被迫使着专注于形式，但他们要把形式推向深处。即便是一个无话可说的导演、没有任何编剧才能的导演，乃至想象力枯竭的导演，也可以成为一个了不起的电影导演，只要他可以掌控所有用以组成电影、且不仅限于技术层面的参数。
用我们德国邻居的话说，诗人是那些有着 Weltanschauung（世界观），并尝试着表达出世界观的人。有时候这些“诗人”(我没找到更合适的词语，所以沿用这个称呼)也有叙述的天分，这很好。但一旦叙述者最后拥有了Weltanschauung，他就不可避免地要归在诗人这一边。
如何创作剧本？ 我们必须完成一个文学创作或者戏剧创作，抑或糅合两者。但在这个剧本创作的过程中，一定要竭尽所能把电影里必须拥有的节奏要素和音乐要素考虑进去。所以在我看来，应该尽早训练自己这样说：“看，这幅场景进行得有点慢了，我要加快节奏”，或者反过来，“如有必要，我要一直走到临界点为止”。用韵律学术语来精确表达剧本，是一件需要慢慢学习的事情：这就是韵律学和剧作学之间的关系。有些场景看上去很慢，但从剧作角度看，它们足够强烈，看起来依然有韵律感。同理，有些场景看似节奏很快，但其实破坏了韵律。
许多电影完全没有进行思考，只唤起感官体验。目前在导演中流行的就是感官性电影。这可以让他们少花一些力气，在该介入的时候退出来。如果我要拍摄的场景如下：一个男人几经犹豫之后，最终杀死了自己的妻子，因为她没有背叛自己——看，这个情节够复杂——那我就是在拍一部思考性电影。而因为其中蕴含了思考，所以由杀死女人带来的感官体验会更加强烈。
事实上，从观众注意到摄影的那一刻开始，从某种意义上说，他已经稍稍地与电影分离。或者摄影很脚（例如对演员的照明很糟糕，或者蜡烛的影子进入了演员的鼻孔），观众注意到了，认为电影拍摄得很差；或是摄影很“浮夸”，林中落日般的绚丽风格，这时观众则会把注意力从情节上转移开。观众必须在电影结束的那一刻肯定摄影的质量，在放映过程中这么做则是危险的。只有在事后，当观众意识到他感受到了演员面部的肌肤、追随了情节发展的时间点、随着电影的一步步进展捕捉到了气氛的转变时，摄影才是真的美。
我对服装的协调问题并不特别看重。我在这方面一直试着现实主义，以便在其他方面少一点现实主义，多一点“意味”。如果我们开始对自己说：“所有男士领带都必须相配”，最后的结果或许会很可怕。我们只要确保镜头与镜头之间、或者角色与角色之间没有刺目的矛盾冲突就可以了。所以和服装师接好久没有问题了。就我个人来说，这方面我更习惯与女性合作。我要找的服装师不仅要对时尚有品位，同时也要对电影有品位，因为一个舞台服装师很容易搞出一些成套的东西来。但是一定要注意，别让她出错。
对于拍摄电影的人来说，批评性的电影评论中总是有令人咂舌的一面。第一反应肯定是：“这个臭流氓，花了两个小时看电影，四个小时写文章，他懂什么？”但反过来，如果评论是捧场的，电影人则会认为记者的工作完成得漂亮。于是问题来了。我自认为找到了解决办法：我们必须承认，无论一个评论是写作者发自肺腑还是胡编乱造的产物，它都是一个有能力表达自己感知的人在某个特定的时刻产生的感知。就是这么简单，没有别的。
如何拍电影读后感(八)
法国电影大师克劳德·夏布罗尔是改变世界电影格局的“新浪潮五虎将”之一，但同戈达尔、特吕弗等人相比，他在中国也是知名度最低的一位。其他几位作者的强烈风格使他们各自收获众多拥趸：无论是戈达尔的先锋、革命性及复杂而强烈的意识形态，还是侯麦隽永的、散文式的对情感与道德的探讨……而作品最多的夏布罗尔，却经常被指责“背离了新浪潮”。 原因之一是，夏布罗尔的电影，无论从内容还是风格上都暧昧而多变：既有新浪潮的奠基之作《漂亮的赛尔日》和《表兄弟》，又有神秘、超现实主义风格的《爱丽丝最后的逃离》，还有深刻、严肃但同样难解的《冷酷祭典》和《谎言的颜色》。当然，最引起争议的，还是大量被指责“平庸”的商业片，即使它们在票房上获得了成功。 这种现象，夏布罗尔本人在《如何拍电影》中给出了一种解释，本书第三章他便区分了两类电影导演：诗人和叙述者。而他自己则在这两种身份间努力达致平衡。当盖里夫提到特吕弗曾表示不理解为什么会有人用“作者”来称呼那些制作类型电影的人时，夏布罗尔直言不讳地回答：“他说的有道理。他应该多拍点类型电影才对。”而面对拉巴德“人们可以认出一部电影是戈达尔拍的，但没法认出一部电影是夏布罗尔拍的，因为戈达尔让电影为自己所用，而夏布罗尔则服务于电影”的言论时，夏布罗尔说：“没错，让-吕克是一位借用电影进行表达的作者。我更多是一位电影的作者，电影是我的专业领域，我在这个领域里进行表达。所以在观众看来，让-吕克比电影世界里的大多数其他人都更自由，但与此同时，他也损失了观众。” 之所以强调夏布罗尔对电影的态度，是因为，这种态度也集中体现在《如何拍电影》一书中。如果想在这本小书里获得对电影的深刻体悟、或者发人深省的哲学，那么我们可能会失望。同他的电影风格一致，夏布罗尔在这本《如何拍电影》中力争简单、清晰和实际。我们在其他大师的文字里，大概很难看到这样的分章结构：为什么拍电影、场面调度的概念、从想法到剧本大纲、演员、制片人……掌机与摄影指导、布景、服装……但这些才是我们在拍电影过程中所遭遇的一切。而夏布罗尔就根据自己几十年的片场经验，给出了最为切中肯綮的建议和指导。 当然，如果相反，我们试图在书中找到关于拍电影的每一个细节，从镜头的选择到光线的布置，或者是每种镜头的含义和表现力，那也是不可能的。这些具体的操作方法，已经泛滥于电影学院的课堂和教材中。而在夏布罗尔本人看来：“要学会场面调度，只需要四个小时，而且我说的可是在天资平平的前提下。”真正重要的不是这些具体的技术方法，而更是一种观念性的方法——这便是《如何拍电影》的真正主题。 观念性的方法是什么？在《场面调度的概念》一章中，夏布罗尔先后强调了几种概念：绘画、节奏（音乐）、建筑结构。然后他总结道：“所有这些要素都必须以这样或那样的方式结合在一起。我可以由此说，有一些电影需要更有节奏感而不是绘画感，另一些电影更需要绘画感而不是结构感，但总之在所有电影里，各个组成要素都有其比重。没有哪部电影缺失其中任何一个要素（如果有这样的缺失，那这部电影就属于完全没摸着头脑），就算偶尔缺失其中一个要素，也绝不能同时缺失两个。这样的电影，打个比方，可能没有任何画面质量可言，所以它们必须用强烈的戏剧效果或者其他东西进行弥补。” 夏布罗尔并没有将绘画、节奏和结构展开到事无巨细的地步，但他对这三种要素的总结与描述，则把握到了场面调度的核心。一个善于思考的读者自然能从中获益良多。 在谈到剧本的创作时，他说：“用韵律学术语来精确表达剧本，是一件需要慢慢学习的事情：这就是韵律学和剧作学之间的关系。有些场景看上去很慢，但从剧作角度看，它们足够强烈，看起来依然有韵律感。同理，有些场景看似节奏很快，但其实破坏的韵律。”以及“剧本是一座大厦，要一个段落一个段落地建造起来。建造的难点在于，在一个段落内部之间达到平衡，要比找到所有段落之间的平衡更容易。”夏布罗尔没有给出具体的操作以指导我们应该怎样找到这种平衡，因为实际上，这是无法教授的，它需要的是经验、体会、思考还有直觉。但夏布罗尔确实给了我们很多启发，使我们清楚自己的作品可能是在哪些方面出现了问题，以及怎样——靠自己的方法——来解决。 《如何拍电影》中也对重要的片场工作人员进行介绍，并提出了一些同他们合作的小建议。这些人员包括：制片、演员、掌机和场记小姐等等。作为导演，事必躬亲并没有必要，他的重要职责之一，是将所有的力量和谐地统一起来，并尽量避免矛盾。另一方面，这些人员的工作其实也体现了电影的结构本身。每一个有过片场经验的人，对此肯定深有体会。拍电影并不仅是在头脑中构筑富有创意的大厦，而且也是一种现实且复杂的工程。 总之，《如何拍电影》作为夏布罗尔毕生的经验总结，表达了这位大师对电影最为深切而实际的体会。但正像全书的开篇所说，“我们绝对不能说‘就是应该这么做’，因为每个人都有自己‘拍’电影的那一套。所以我接下来要说的这一切可能毫无意义，因为它们只对我一个人有价值。”夏布罗尔的真正意思是，我们不应该拘泥于唯一的方法，而是应该找到属于自己的方法，甚至去超越它。希望这本《如何拍电影》能为读者“找到自己的方法”提供一些帮助。
如何拍电影读后感(九)
这是一本由法国新浪潮导演的写的100%纯干货手册，篇幅不长，全书共127页，字体也比较大，阅读感非常舒适。
本书的作者是法国“新浪潮五虎将”之一的克劳德·夏布罗尔。作为“五虎将”中作品最多的导演，他在中国的知名度并不高，而且还经常被指责“背叛了新浪潮”。他的作品风格多变，有“新浪潮”的奠基之作，还有超现实主义风格的神秘之作。除此之外，他还拍摄了不少“平庸”的，却在票房上大有斩获的商业片。作为《电影手册》的编辑之一，他是“作者论”的积极倡导者，作为“五虎将”之一，他不畏主流，不在乎荣誉和奖项，始终对电影保持着纯粹的热情。《如何拍摄电影》是一本集合他几十年上百部电影制作经验的著作，书中他将片场内外的经历，以及自己对电影事业和拍摄技巧的想法娓娓道来。他对法国的电影产业、电影导演特点非常熟悉。通过阅读这本书，读者既能体会到电影大师的观念，又能对不同于好莱坞的法国电影产业有所了解。读完这本薄薄的小册子，再去看曾经大呼看不懂的《天使爱美丽》，定会有不同于以往的感受，那一帧帧带着法国浪漫气息的，如明信片般的画面中饱含着信仰与坚持。
全书以“开场白”开篇，共分35个章节，每个章节都短小精悍，佳句连连。章节名也是直戳我们平时看电影的疑问点，比如“为什么拍电影”、“原创还是改编？”……在观影热情高涨的今天，观影者不能只做一名贡献票房的小火苗，更需要有一定的理解力，花了几十元甚至上百元走进电影院，不只是凑热闹，更应该通过观影得到了些什么。观影不仅仅是消磨时间和约会方式得一种，还是欣赏艺术与学习的过程。正如作者在开场白中所说的：“如果有必要的话，我们可以从过去的电影里学到一些东西，对电影进行分析，超越感官进入分析”，电影艺术作为成熟稳定型的年轻艺术形式，赋予观影者的除了视觉与感官效果，还有导演的思想。当然，“开场白”中作者也提到：“但我们绝对不能说‘就是应该这么做’，因为每个人都有自己‘拍’电影的那一套。”比如导演王晶曾表示：“传达思想的电影让教育界去做，我只拍观众爱看的电影，不拍电影给自己。”
当大家对电影进行评价时，导演作为电影的主导者，他的个人风格必然是大家讨论的热点之一。在本书中，夏布罗尔将导演分为“叙述者”和“诗人”两类，“叙述者”就是那些单纯想给大家讲故事的人，他们的电影向大家展示的是普世价值观，内容上没有特定的信息要传达。他们将更多的精力投入到形式上，甚至只专注于形式，尤其是在电影技术日渐成熟与多元化的今天，形式被越来越推向最深处。这一类导演往往希望通过拍摄方法，也就是形式，触动观众，用精神状态与观众沟通，而非在哲学层面与观众产生共鸣。在夏布罗尔看来，恩斯特·刘别谦是这类导演中的佼佼者，作者认为刘别谦是“唯一一个称得上举世无双的技师的人”，因为他的技术十分独特，只专注于某一部分，大胆的去除那些他认为不重要的东西。而被法国电影界认为是熟练技师的导演却并没有得到作者的认同，比如吉勒·格朗吉耶，作者认为他的拍摄手法并没有亮点，真正让他脱颖而出的，是电影呈现出的对事物的看法。夏布罗尔在说到“叙述者”导演时用了“技师”一词，因为他认为只要导演本人掌握所有拍摄电影的要素，并将其运用到驾轻就熟，就可以成为一名了不起的导演，甚至他不需要有才能、不需要有想象力。所以，在电影的世界里，人们往往认为有思想的“诗人”导演要比走技术路线的“叙述者”导演更高贵。但事实上真的是这样吗？夏布罗尔指出“电影史上最糟糕的电影亦出自诗人之手”，有些诗人搞混了“世界观”与“对事物看法”的概念，他们认为自己在传达“世界观”的时候，其实只是在表达自己对某样事物的看法，并利用自己极强的辩证精神在电影作品中展开论述，阐释自己观念正确的同时，还会用些篇幅解释为什么其余观念不正确。在一些“诗人”们看来，他们的观念才是人类前进征程的唯一路径，其中不乏一些“大胆的诗人”会提出先锋的概念，而这些概念其实与他们的世界观并一致，他们只是在用“先锋”的概念编织形式的罗网，使自己成为“说教派”。还有些“谨慎的诗人”在表达自己世界观的同时，不想付出太多的代价，甚至如果有必要，他们可以为了赢得观众而“背叛”自己的世界观，从而让自己变成一名“叙述者”。然而这并不是一个负面行为，因为导演为了拍出好的作品，会将更多的精力投入到简洁的风格和扎实的剧本中，从而化解他叙述内容与真实想法不一致的矛盾。这段话似乎是在说夏布罗尔本人，因为他的确拍了不少票房火爆、受大众欢迎的商业片。在书中他也写到“我也遇到过这种情况。而在您变成叙述者以谋取生计的过程中，可能会时不时地意外遭遇一个来自您那个世界的人物。这就像在陌生人家里认出朋友的脸：总是一件赏心乐事”，这段话似乎是在解释作者自己在电影界引起的争议。夏布罗尔不是一个激进的人，在他的叙述中我们可以感受到这一点，在“为了拍出更好的电影…”这一章节，他写道“导演要学会聆听。一个导演最忌讳的，就是拒绝聆听。”并举例说明，在不妨碍任何人的前提下，他愿意做出一些让步，并认为“如果我在类似的细节方面做出让步，我就可以绕过原则问题，成功地做成我想做的事”。
我们常在电影宣传中看到“大制作”的字眼，动辄投资上亿元，演员阵容也是大咖如云，观众们自然蠢蠢欲动的想去看个究竟，然而最后的豆瓣评分却惨不忍睹，骂声连连。究其原因，正是夏布罗尔在“思考与感官”章节内所说的看待电影的两种方法——思考性或感官性作品。
有些电影将全部的精力都花在如何唤起观众感官体验上，忽视了思考环节，这样方式引起的注意自然是昙花一现。作者举例道“如果我要拍摄的场景如下：一个男人几经犹豫之后，最终杀死了自己的妻子，因为她没有背叛自己——看，这个情节够复杂——那我就是在拍一部思考性电影。而因为其中蕴含了思考，所以由杀死女人带来的感官体验会更加强烈”。相反，有些导演在拍摄过程中抱着“我才管不了那么多，我对处理场景的方式不干兴趣，我感兴趣的是有多少辆汽车转弯，这是效果，我拍摄的时候要看的是这个”的心理，拍摄出的作品很可能就只会让观众一时爽，看完特效，脑袋和心里依旧空空如也。例如电影《阿丽塔》，导演所要展现的不单单是女主“人狠话不多”的动作场面，更是在构建一个架空的“新世界”，为之后的一系列动作做铺垫。
除此以上几点，夏布罗尔还向我们介绍了很多拍摄电影的元素，例如剧本、演员、制作人、剪辑等等。可能会有人觉得，作为一本售价几十元的精装本，这本书字数不多，略显价高。但读完后你会发现，作者留给读者的咀嚼和品味空间很大，阅读不是填鸭式的喂饱，而是需要消化后变成身体的养分。如果你想通过看这本书学会如何拍电影，那是不可能的，因为这不是一本手把手教你拍电影的教科书。这本书通过简单、清晰、实际的文字向你讲述“电影观念”。很多东西是无法教会的，需要本人通过体会、思考以及直觉去感悟，作者夏布罗尔向我们指明方向，剩下来的则要靠我们自己解决，作者希望每个人都能通过阅读这本书“找到自己的方法”。
读完这本书再去看电影时，你应该就能够不仅仅用“好”与“不好”来评价一部电影了，你会从一部电影中看到更多的内容。最后，我想提到“结语”中的两句话，因为它不仅适用于导演，更适用于所有人，“任何不把拍摄过程当作享受的导演都不该继续拍电影。他应该去干点别的，世界上还有三十六种别的方法可以表达自己”；“很显然，当我们知道自己的前进方向时，才有快乐可言。如果我们像盲人一样朝前走，任何人都会觉得烦躁不安，这也是时常发生的事情”
