《阿涅斯论瓦尔达》是一部令人深思的电影，通过对主人公阿涅斯内心的挣扎和成长展开了深入的探讨。影片通过细腻的情感表达和精准的演技打动了观众，引发了对生命、爱情和信仰的思考。导演巧妙地刻画了主人公的复杂性，让人在观影过程中产生了强烈的共鸣和感悟。
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇一)
在生活中关注生活的细节，用心体会生活才能创作出优秀的电影作品，生活当中的方方面面都可能激发我们创作的灵感，走进生活，感受生活，才能创造出贴近生活的艺术作品。一段人生，一段历程，分享每一部作品创作的灵感。电影创作者要热爱生活，去发现生活中的故事，创作成艺术作品，有所提炼，有所表达。不管是电影创作还是日常生活，都要有积极的态度去投身到生活和工作中，去发现美的眼睛，去感受生活的美好，向着目标和希望去奋斗，实现自己的人生价值。
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇二)
一边看一边感受着电影带来的触动，这种故事不是来源于一个煽情的故事，而是感受到了一种氛围，一位艺术家在如何满怀热情的向人们展现她的观看视角，她如何将自己的艺术概念付诸于独特的镜头语言，在拍摄她的第一个短篇之前，瓦尔达没有受过任何专业的电影教育的，只是在观看野棕榈的体验中突然感受到了她说称为的“灵感”的东西，从而把文学写作转换成电影写作，实现了双重叙事的交叉呈现。一个好的纪录片导演需要的是一种先天的care for others的悲天悯人的情绪，瓦尔达通过她的电影真是让我们感受到了这种真诚的关注，她关注女性运动，关注底层拾荒者的生活，关注丧偶的寡妇们，关注最普通的与她相遇的人们，这些无声的却是属于我们的绝大多数人的真实生活。她说纪录片有两种，一种是毫无雕琢的展现真实生活，而她却是另一种，加入了自己的电影写作的纪录片，所以，才是这么有趣的吧。
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇三)
灵感，创作和分享。
灵感是拍电影的原因
没有什么是普通的。
他们代表沉默的大多数，这就是我拍的东西。
海滩是让人充满灵感的地方，是存于内心的风景。
电影人的噩梦是空空如也的影院。
纪录片分为两种，一种纯粹且未经加工，仅仅呈现现实，那些纪录片可能是非凡的；我希望它变成一部电影，有真实的现实，也加上一些自己的编排。
三联画
正是艺术，跨越不同的文化背景，国家，民族，宗教和年龄。 我对其他人更感兴趣，我更喜欢拍摄他们，其他人激起我的兴趣，激励我，引起我的好奇心，让我困惑，让我着迷。
如果我们“打开”一些人，就会发现一些风景，如果人们“打开”我，他们就会发现海滩。
我喜欢将现实和其代表形象联系在一起。我也会把动态画面和静止画面结合在一起。
牛，动静结合。
当我一个人在海边时，我能更好地感受一切，双倍的感受。 真实的人是我作品的核心。
JR摄影师，我们一起找到了下降的视力，带来的美。
艺术就应该让我们意外。
在模糊中消失，离开你们。
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇四)
电影，一如人生中，重点在于感受和体验。 Les films, comme dans la vie, se concentrent sur les sentiments. 记录生活，更重要的是记录记忆。 Enregistrer la vie et, plus important encore, enregistrer la mémoire. 对于她来说，灵感从生活中不请自来。她记录的都是她生活中的人和事情。观察记录真实，记录已知和未知，人和社会。 创造力，她知道如何去安排选景，如何表现人物和环境的关系，如何进行场景的切换，选用什么样的拍摄方式，如何选角。 自由，拍摄自己的朋友选用各种名画；面对演员的自主性她也有解决方式，坦然处之。她的自画像非常有个人艺术特质。 她有很深刻的艺术底蕴，她用巴尔东•格里恩的画作作为电影的核心意象。她用马铃薯开设了一个展（视觉艺术）。也许展的意义就在于艺术家用自己的方式讲述了自己的经历，表达自己对一个事物，一个社会，一种对于客观的主观感受。她将自己的作品表示为向15.16世纪三联画的致敬。 作为一个艺术家，她给了我艺术的新视界和新的表现形式。她的三联画（弩瓦穆堤三联画）给我了新的启示，去思考一个画之前发生了什么，之后发生了什么。三联画这样的结构给了我很好的解释。她给我展示的可以是什么人发生的什么事，也可以是一种理念，比如生活需求。
她的生命有想象力和创作力。她有着自由而灵动的灵魂。我羡慕这种自由。
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇五)
灵感（动机、偶然情景和情绪）、创作（用什么样的手法方式，在制作电影的过程中作出的一切选择）和分享（电影不是为自己拍的，是需要观众的）。“打开不同的人会发现不同的风景，打开我，会发现的是一片海滩。”海滩正是瓦尔达和她电影的存在状态。
当你站在海滩的时候，面前铺展进无限纵深和宽广的天空与洋面，反而是以分层垒叠、仿佛刷涂在某个表面的巨型色块的形态呈现，和沙滩一起构成了一种空气、水、沙的基本元素并置（像罗斯科的某幅色块画）。这样的沙滩景观在被漫赏时有自然最简朴清晰的天真，在被探索时又有无限丰富的可能性，它是极简又极丰富、极稳定又极变化的矛盾综合体，简直是艺术的究极喻体。拒斥城市（工业）文明体系化的矫揉造作，沙滩和海浪拒绝提供兴建秩序的地基。
海滩是一个可漫游、可嬉戏、可放空、可思考的公共空间。它不会成为一个可以被网格化、被统一管理的系统。人们在这里不可能被迫孤独，而是享有充沛的生活可能。这是艺术发生的场。
海滩的姿态因此永远是敞开和邀请的姿态，瓦尔达的电影可贵在真诚地敞开她自己的生命经验，邀请他者进入。这绝不能被类比为某部热片在银幕这边收割了舆论场，成为最时髦的谈资，不！被摄入镜筒的人和坐在电影院中的我们都是被邀请进沙滩的他者，而这诸多的他者在她的电影、她的生命中相遇，我们和扬科叔叔、小猫茨咕咕、雅克·德米和短角的水手们一起在为期几十分钟的时空小木筏上漂流，一起享用一次天涯共此时的可能。而电影不可以止于灵感、止于创作，只有到达分享这个层面才得以存活，“银幕上看到的不是鲜活的，在观众和银幕间发生的才是鲜活的。”
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇六)
灵感（动机、偶然情景和情绪）、创作（用什么样的手法方式，在制作电影的过程中作出的一切选择）和分享（电影不是为自己拍的，是需要观众的）。“打开不同的人会发现不同的风景，打开我，会发现的是一片海滩。”海滩正是瓦尔达和她电影的存在状态。
当你站在海滩的时候，面前铺展进无限纵深和宽广的天空与洋面，反而是以分层垒叠、仿佛刷涂在某个表面的巨型色块的形态呈现，和沙滩一起构成了一种空气、水、沙的基本元素并置（像罗斯科的某幅色块画）。这样的沙滩景观在被漫赏时有自然最简朴清晰的天真，在被探索时又有无限丰富的可能性，它是极简又极丰富、极稳定又极变化的矛盾综合体，简直是艺术的究极喻体。拒斥城市（工业）文明体系化的矫揉造作，沙滩和海浪拒绝提供兴建秩序的地基。
海滩是一个可漫游、可嬉戏、可放空、可思考的公共空间。它不会成为一个可以被网格化、被统一管理的系统。人们在这里不可能被迫孤独，而是享有充沛的生活可能。这是艺术发生的场。
海滩的姿态因此永远是敞开和邀请的姿态，瓦尔达的电影可贵在真诚地敞开她自己的生命经验，邀请他者进入。这绝不能被类比为某部热片在银幕这边收割了舆论场，成为最时髦的谈资，不！被摄入镜筒的人和坐在电影院中的我们都是被邀请进沙滩的他者，而这诸多的他者在她的电影、她的生命中相遇，我们和扬科叔叔、小猫茨咕咕、雅克·德米和短角的水手们一起在为期几十分钟的时空小木筏上漂流，一起享用一次天涯共此时的可能。而电影不可以止于灵感、止于创作，只有到达分享这个层面才得以存活，“银幕上看到的不是鲜活的，在观众和银幕间发生的才是鲜活的。”
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇七)
Varda par Agnès是一部小得不能再小的电影，但从运镜到剪辑再到配乐，几乎无一处不有趣。
那种感觉就像，花了极少的钱做了一桌最最简单的家常菜，没有多高级稀罕的食材，也没有多精致优雅的环境，但就是让人吃得唇齿留香。
这部电影在法国上映不到一个月，瓦尔达便于巴黎逝世，在她91岁生日的前一天。其他评论中也已多次提及：怀念、大师、之母……影片中穿插的她的那些经典之作，就是明证，无需赘言。
还是回到电影本身，瓦尔达就像一个巨大的发光体，你很难想象那样一个思维敏捷、口齿清晰、中气十足的Madame居然已经90岁高龄了，外媒对她的评价“monument du 7e art”(电影界的丰碑) “influential director who lived for every moment ”（永远活在当下的影响力导演）……
瓦尔达在电影中说她拍了很多真实的人、无意义的瞬间，她好像并未因为自己的导演身份而带上攻击性，在菜市场上捡剩余食物的人、年老的寡妇、法国农村的路人……愿意跟她交谈并出现在镜头中，那种日常和细腻，在很多男性导演中的作品中确实较为少见。
我想其中的原因，除了眼缘（瓦尔达那么可爱的）以外，还有一部分是被拍摄者能感受到瓦尔达对别人的尊重和真诚吧。这里需要补充一个小细节，Varda par Agnès是我目前看过的所有电影中片头最长的一部，也是唯一一部将致谢放在片头的电影。影片中有几幕是瓦尔达对着台下的学生讲的，我留心看了片头，有一页写着谢谢索邦大学的教授xx和他的学生们：xx，xx, xx……然后是一二十个名字。
爱人，尊重人。瓦尔达的电影那么有魅力的原因，或许就在于此吧。
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇八)
疫情之前去过日本丰岛跳岛，当时在丰岛美术馆感受了一次不寻常的艺术体验。那是这样的一个装置——整个艺术馆就是一个装置，白色的半圆建筑像个希腊产的飞碟。地面上是2滩水滴汇聚的装置，天花分别是露天的圆，刚好把外面的景借到建筑里。
这个美术馆的目的就在于让人们席地而坐，看看水滴的运动。对我来说，无异于把我拉回儿时看蚂蚁从这里爬到那里的时光。这对我来说真是一次慈善之举。当时工作很忙，像小时候那样的时光越来越少有，所以很感激那个艺术家，把没有意识到正在流逝的自己，拉回那个时候。不管是当时的感受还是就那样的形式，让我感受到艺术善的一面，毕竟不是所有艺术品都强调善。
隔着屏幕看瓦尔达，又一次让我感受到这种力量，还有瓦尔达让人拍案叫绝的创意。这部纪录片就像一个了解瓦尔达艺术说明书。灵感-创作-分享——从庞杂的世界提取一个理念，重新整合创作，再分享出去。
世界是实在的，不随人的意志而转移。但人又是主观的，每个人都有一个自己的世界，瓦尔达的世界真是太神奇了。
一句希腊语而不是英语或者别的什么语言，去表达那种相见的喜悦。
从谙熟食物营养的拾物者，到从一个心型的马铃薯生根发芽的善意
每个老人曾经都是被疼爱的小孩
一起观看寡妇的影片又独自倾听她的心声，那种即与集体共享一种情感又保有隐私感的设计
还有三联画的形式
在《脸庞，村庄》中采访到一个说给羊角带上彩色帽子的观点
给猫的葬礼，改变了孩子对死亡的感觉
在沙滩中工作在沙滩中流逝
...
瓦尔达分享出来的她看世界的方式，真的太有趣了。
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇九)
这部电影是T推荐的，最近他观影的数量渐渐多了起来，比我这种每天上班的打工狗看得多了一些。今天他不在，我虽然不到那种非常想念的程度。但是我的心情明显就是低落了许多。所以每个人的情感表达方式都有所不同，有些人会一直说很想念，有些人会藏起来甚至自己都没有很察觉。或许我之前就不是在一个很容易表现和表达情感和其他需求的环境中成长起来的人。或许在之前和前男友谈的时候，还不是这样，那时候我表达想念更加直接，现在则不是，我有所隐藏，可能因为对方也不是那样直接的人，或者又会觉得会打扰到对方等等产生了诸多的顾虑，又或者会不会让对方觉得自己过于没有自我了。是的，我想找到自我，找到一个可以作为我精神支撑的东西，对方已经找到了，可是我没有。
电影中的导演，纤细敏感，有创造力，也有清晰的逻辑和思考，能够把自己的过去经历、人事都很清晰地表达出来，以现实的记录，或是呈现在电影中的细节、对话，或是以一种想象的对话形式，把这些都表现出来。真实又有趣，是一个能够有自己话语方式的女性，能够在所爱的话语形式中表现自己的思考的人。羡慕。在电影的记录中，看到了在那种文学和艺术熏陶之下的个体，是更加允许一个艺术的生命存在的。在那里有着更加真实的生命和生存方式，不是只有千篇一律的人生轨迹，不是只有仓促地在社会上赶路的生命。那里也有许多历史沉淀下来的建筑，有自然的环境环抱着，有大海等等属于作者的回忆。不禁会想，如果是我来记录自己的过往，或是找到自己日后慰藉心灵的存在，应该朝着什么方向？或许有一天，我也是要纪念我的故乡、我的童年和成长的。但是我现在正在塑成的现在，又是多么的贫乏和无力。我甚至想，我是不是要等待什么契机去中断或是逐渐切换现在的生活。
今天周六，是非常疲软的一天。累了很多层的疲劳，也不是一天的漫画或者电影可以直接覆盖过去的。工作日都没有太多思考的时间，或者有也是在不断地让自己的身心复原，没有太多的空档来思考自己的当前的路径，或者是为作出改变作出更多的努力和学习。没有俯拾皆是的自然环境和艺术风景，更多是贫瘠不堪的现实。有时，我甚至想我好像已经适应了工作，适应了我所怀疑的现实，无从逃离。
2023.7
去年的状态之后，现在的我是不是有好一点 现实看来似乎没有改变 或许有点地方有改变一点点 还需加油
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇十)
但我也需要警惕———过度的批评会使人对于好的作品也无动于衷
她说她关心每一个真切的人 她的内心充满爱
可是年轻人现在并不会坐下来去看那样的一部分 并不可信的人文关怀的作品，况且这种要靠文本来解释的图像（土豆那个影像除外）
猫咪的坟墓，土豆和三联画作品都很好 感觉还是要靠情感的某种理性来结合？
为何最开始厌恶这种艺术形式，就是因为觉得这个东西太假，因为它更像一种指认，也许靠的是人类的社会性和某种规则，类似于人们觉得看到坟墓就应该感到悲伤，看到人死就应该哭的一种刻奇。最令我感到困惑的就是她做的关于“正义者”的展览，她把在二战时期保护犹太人的“正义者”的照片放置在展台上；另一个装置是她将在战争和动乱中死去的人们的衣服堆成一座山，由一个像抓娃娃机的一个巨型的机器将这些衣服抓起又放下，这个行动本身并没有什么坏处，也没有什么好处；我不太喜欢这两个作品的原因是因为它们看起很做作，虽然死亡是最沉重的话题。我会想象一些生活得幸福的人，走进那个华丽的展厅，他们也许穿着西装革履，也许穿着很休闲，可他们中的大部分人走进那个展厅最大的原因也许还是因为这个展厅很豪华，就像尤伦斯，当代moma这样的地方，很体面，很适合周末来消遣，这样他们可以自恋地凝视“观看艺术的自己”。电影里还有一个片段我觉得特别有意思，在一个展览馆里，瓦尔达在画面的左下角，大概占了画面的三分之二的位置在对着镜头说话介绍她的作品，可我的视线却不由得转移到画面右上角的位置，展览馆里应该很热，中产阶级的白人女孩穿着休闲，正用展览的宣传册之类的东西给自己扇风和她的两个朋友闲聊。这也许对于阿涅斯来讲无可厚非，因为“艺术”并不一定要是严肃的，但是令我不解的是她似乎默认了人们一定会被某种“爱”所感染，我觉得这是错误的。虽然阿涅斯的这部影片依然非常打动我，但是我依然不能认同一些作品、因为几乎完全是文本性的，这样的作品似乎把人们完全区隔开来：能读懂的，和不能读懂的。因为最近在申请学校，看了好多作品集案例也会有这样的感觉———我不知道他们是在一种什么语境下去表达的，最坏的情况是，这个创作出来的东西不“美”，那么我要出于什么样的理由去“观看”或是更深一步的“阅读”这样的作品？1.因为我周末来到了这个展厅，所以出于对“在展厅应该做什么”这件事的责任我去观看这件作品。2.出于刻奇而去观看这件作品，比如表达对疾病战争等的人道主义关怀的作品。3.出于一些情况我不得不去观看这件作品。对于瓦尔达的“正义者”和死去的人们的衣服这两件作品我都会发出这样的疑问。
这也许对于她说人们看到这些照片也许会反思，也许会共情，但又很快会遗忘，就像海，风或沙一样被冲淡，然后消逝。
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇十一)
前半部分是作为电影导演的瓦尔达，后半部分是作为摄影师、视觉艺术家的瓦尔达。
片头用过往作品镜头打底铺字幕，浓浓柔情。
《cleo》的主观时间、客观时间；影片在第45分钟分成两部分——女主 从被别人看 到主动观察别人的转折——唱caprices，法语caprices有“随想曲、任性“双重意思，女主决定不再做洋娃娃/换上黑裙，不再是第一部分里被凝视的女人，下楼走的10层台阶全部进入镜头 【故事片加纪录片元素】。
《达格雷街》所代表的少言群体，镜头特意在等待的顾客与店主身上停留久 内心变化显影。
《一个唱，一个不唱》围绕女性的身体自由，用歌词/旋律表达女性主义，融入马克思恩格斯原文。
《sans toit ni loi 》关于Mona，愤怒是她活下去的动力，从不说“谢谢”只说“qtmd”的年轻女孩；13个从右到左的推轨镜头，与西方阅读顺序相悖，在每个一分钟的推轨镜头后 是当地风景元素，所以抽出这些风景元素进行组合 即是当地肖像画，配合推轨镜头的音乐 是专门制作的；影片侧重表现女主如何生存的一系列行为 如修鞋/帐篷系带/踢门，而非心理变化。
《幸福》莫扎特作为bgm表达纯真中内含不安与焦虑；彩色淡入淡出十分夏天；“重复”手法强调男主对女主去世的拒绝相信。
关于影片的“整体性”，平滑/冲撞的画面、有无配乐、构图拥挤/孤立，直到剪辑混音才结束。
《南特的雅克·德米》影片中的修车铺即是德米儿时的原样；黑白/彩色/特写德米身体局部——三种方式叙述。
《短角情事》一对夫妻、一对渔民，两种生活方式 两种理解世界的方式。声音一直处于前景。
作为摄影师、视觉艺术家，她一直关注人。
装置对瓦尔达来说，更接近于人与影像互动方式的多样。
土豆影像三折画、电影胶卷副本搭成小屋、海浪落潮才可进入瓦尔达小岛、倾听14位寡妇说话、给小猫做贝壳坟墓的定格动画。
最感动是回到《短角情事》拍摄地，让当时参与影片男子的孩子 如今已人到中年的孩子 推着放有父亲黑白电影片段的木轮车 在黄昏的渔村行走，咯吱咯吱车轮响。第一次看到了黑白电影里的彩色渔村 和落日——两排矮房之间的长路 通向大海、藤蔓和花 挂在路边房檐、粉紫天空，错觉国内南方临海小岛。
看瓦尔达电影 也是顺着女性目光看人事物，她的目光非常温柔。
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇十二)
阿涅斯·瓦尔达（Agnès Varda），是法国著名的电影导演、摄影师和艺术家，被誉为法国新浪潮电影的先驱之一。 她于1928年5月30日，出生在比利时布鲁塞尔，2019年3月29日去世于法国巴黎。 瓦尔达的电影作品，以其独特的视觉风格，深刻的人文关怀著称，她经常探索女性主义、社会问题，个人记忆等主题。 ＃瓦尔达代表作 《短角情事》(La Pointe Courte, 1955)： 她的处女作，常被视为法国新浪潮，运动的前奏之一。 《五到七时的克莱奥》(Cléo de 5 à 7, 1962)： 这部影片详细刻画了，一个女性歌手在等待体检结果，两个小时内的情感和心理状态。 《快乐的比利·利尔》(Le Bonheur, 1965)： 通过一个家庭的故事，探讨了幸福和婚姻的复杂性。 《无家可归者》(Sans toit ni loi, 1985)： 这部影片，讲述了一位年轻，女性流浪者的故事，赢得了威尼斯电影节金狮奖。 瓦尔达在纪录片方面，也有重要贡献，如《拾荒者与我》(Les Glaneurs et la Glaneuse, 2000)、《脸庞，村庄》(Visages Villages, 2017)等。 她的纪录片作品，以个人视角、富有诗意的叙事方式，对普通人生活的关注，而广受好评。 瓦尔达不仅在电影制作上，有着杰出的成就，她还以其摄影作品，装置艺术在艺术界享有盛誉。 她被誉为“法国新浪潮的祖母”，其影响力延续至今，对后来的电影人和艺术家，产生了深远的影响。
阿涅斯论瓦尔达 (2019)
9.2
2019 / 法国 / 纪录片 / 阿涅斯·瓦尔达 / 阿涅斯·瓦尔达 桑德里娜·博内尔
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇十三)
阿涅斯·瓦尔达（Agnès Varda），是法国著名的电影导演、摄影师和艺术家，被誉为法国新浪潮电影的先驱之一。 她于1928年5月30日，出生在比利时布鲁塞尔，2019年3月29日去世于法国巴黎。 瓦尔达的电影作品，以其独特的视觉风格，深刻的人文关怀著称，她经常探索女性主义、社会问题，个人记忆等主题。 ＃瓦尔达代表作 《短角情事》(La Pointe Courte, 1955)： 她的处女作，常被视为法国新浪潮，运动的前奏之一。 《五到七时的克莱奥》(Cléo de 5 à 7, 1962)： 这部影片详细刻画了，一个女性歌手在等待体检结果，两个小时内的情感和心理状态。 《快乐的比利·利尔》(Le Bonheur, 1965)： 通过一个家庭的故事，探讨了幸福和婚姻的复杂性。 《无家可归者》(Sans toit ni loi, 1985)： 这部影片，讲述了一位年轻，女性流浪者的故事，赢得了威尼斯电影节金狮奖。 瓦尔达在纪录片方面，也有重要贡献，如《拾荒者与我》(Les Glaneurs et la Glaneuse, 2000)、《脸庞，村庄》(Visages Villages, 2017)等。 她的纪录片作品，以个人视角、富有诗意的叙事方式，对普通人生活的关注，而广受好评。 瓦尔达不仅在电影制作上，有着杰出的成就，她还以其摄影作品，装置艺术在艺术界享有盛誉。 她被誉为“法国新浪潮的祖母”，其影响力延续至今，对后来的电影人和艺术家，产生了深远的影响。
阿涅斯论瓦尔达 (2019)
9.2
2019 / 法国 / 纪录片 / 阿涅斯·瓦尔达 / 阿涅斯·瓦尔达 桑德里娜·博内尔
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇十四)
在影院里上了一堂电影课，不是常规课堂的板书理论，而是真实地从故事和画面中理解电影，至少在两个问题上有所收获：电影可以拍什么，以及为什么要选择电影来表达。
首先是电影可以拍什么。日常生活中的人，虽然身处一个丰富复杂的世界，但终究只能把注意力局限在有限的时间和空间范围里，依赖惯性选择焦点，而电影可以通过镜头引导观众的视线，重新圈定焦点，呈现事物更整全的面貌。在空间上，身处房间的人聚焦于一张餐桌和眼下细碎的生活，但镜头可以将穿透墙壁，将此时此刻的房间，房外广阔的海洋，以至地球另一端的战争与爱情整合进一幅画面；剧场里的人视线聚焦于舞台，而镜头可以记录舞台下的观众、摄像、环卫和剧场外偷看的人。人会一次次身处相似的场景，并一次次忽略相同的事物，且重复的次数越多，越是容易去繁就简，电影捡拾起这些被忽视的画面，从另一个视角审视世界。在时间上，人们也频繁地经历，然后遗忘。忘记老年人在不远的过去，也曾是一个幼小的婴儿，布满皱纹的脸上仍是曾经属于孩子的眼睛。人们带着惯性和固有偏见认识世界，而电影打破惯性。
影片中提到 “当我们决定细致观察某样事物，即使它原本平凡，也会因为我们的注视观察变得非凡”。类似的观点常常能听到，但在偶然间于熟悉事物中发现新的视角并深受震撼前，人很难真正理解细致观察的力量，而优秀的电影作品提供这样的视角。细致观察不止需要观察的意识还需要经验和灵感，想要观察和反思的人可以从他人的作品中获得启发。如陈嘉映老师所说，好诗始终在表达别具一格的感知和经验，人们读诗可以受到指引，引导自己也更加生动地感知世界。电影也是如此。
其次是为什么选择电影作为表达的媒介。相比于文字，人们对影像和声音的感知更直接。电影声画可以将抽象的感受具象化，更直接地引发共鸣或调动情绪。在观众眼前暴力地劈开、掏空一个巨大的南瓜，比任何哭诉都能更直观地传达一个年轻孕妇对生产的恐惧；将镜头长时间停留在等待中的人的脸上，可以让观众同频感受等待的空洞漫长。文字可以准确地记录思考，而声画可以传递更幽微的感受和体验。如何传递这些感受，则是及其需要技巧的，需要不断反思影片的受众有哪些共同经验，什么样的场景能够触发怎样的感受。例如违反通常的阅读习惯将镜头从右向左移动，可以引发观众的不适；在耳机中播放音频比使用音响更能营造私密的感受；海水一夜间冲走用心制作的肖像画，可以唤起离别、失去的失落感，正如导演告别了画中的朋友；减少剪辑，像人眼一样拍下完整连续的画面，可以产生纪录片的真实感。由于这些经验太过日常，反而容易被遗忘和忽略，但如果能够用利用人们认知场景、感受世界的习惯，通过图像和音乐建构场景、同步情绪，还原（或打破）自然的认知过程，就能创造比使用台词和旁白传递信息更立体、丰富的影片。
以前对生活思考的太少，所以看纪录片、文艺片经常感到无聊，很难和影片的想法产生共鸣。近几年因为经历和反思都多了一点，有时能和影片产生一些共鸣，因而被带入作品，被创作者带向更大的世界。想起小时候总是被迫写作文，因此在很长时间里误以为文章是为了写而写，视频是为了拍而拍，为了创作而创作，但现在逐渐懂得是先有了观察和思考，才有了创作的欲望，随后才产生了作品。这样也就明白了为什么有导演坚持拍极小众的电影，终究是觉得：这里有一个尚未被发现的角落，我想请你一起来看看。感谢创作者，让我们在有限的时间里看到看到更丰富的世界。
《阿涅斯论瓦尔达》影评(篇十五)
阿涅斯·瓦尔达在她去世前不久完成的一部电影中向自己致敬。
你几乎可以看到标题:“女电影制片人在临死前写下自己的墓志铭。”阿涅斯·瓦尔达于2019年3月29日去世，仅仅一个月前，她的最后一部电影——一部涵盖艺术和电影的自画像——在柏林电影节首映。
她需要用阿涅斯制作瓦尔达吗？我们讨厌不友善。而这部电影怪异的、不经意的及时性也是一种证明。但是，尽管瓦尔达“写”这篇告别文章的理由很光荣——“我不想接受媒体采访，我不想谈论我的工作……”放映电影而不是我讲话”——这是一种顽固的自我吹嘘。
“我不想谈论我的工作……”
“可是你就是，阿涅斯，你就是。”
这是这场令人肃然起敬的告别的顶部、尾部和整体——尽管那些反感和忠诚的人仍然会把它看作是一次重要的告别，也许从长远来看是正确的。
目睹这位电影制作人在不同的影院向不同的观众解释她为什么要制作那些经典电影是一件很有趣的事情。为什么她开始了广受好评的第二职业——视觉艺术家和装置创作者。为什么她喜欢纪录片。在1995年庆祝电影百年的电影《一百零一夜》中，与德纳芙和德尼罗合作是什么感觉——她可以聘请最好的人。
但两个小时的“我想怎么做这个”和“接下来我做了那个”，甚至还有桑德琳·博奈尔、德尼罗等人对镜头的贡献，都是令人讨厌的。她的作品无疑是自己最好的广告。
《阿涅斯论瓦尔达》是纪念家庭窗口上的广告，当正常的，活跃的瓦尔达运动恢复时，它可以被删除：
By: Nigel Andrews
